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« Un texte essentiel et un spectacle magnifique. »

Jérôme Garcin – Le Masque et la Plume – France Inter

Septembre 1968. Robert se fait embaucher comme ouvrier spécialisé à l’usine Citroën de la porte de Choisy. Il devient « établi ». L’Etabli c’est l’histoire d’une grève. C’est une épopée d’un an, juste après les événements, un trop-plein de bruits, de gestes répétés, de paroles d’ouvriers, de solitude, de découragement, et aussi de joie mais aussi d’espoir, de solidarité et de fraternité. Musique industrielle en live, mur d’acier, fumée, odeurs, vidéos, tout immerge le spectateur dans cette expérience humaine : ces mois de chaîne, avec les méthodes de surveillance et de répression, la résistance et la grève. Le spectacle est un hommage à l’engagement et au récit autobiographique de Robert Linhart, qui raconte magistralement ce que c’est, pour un français ou un immigré, d’être ouvrier dans une grande entreprise de la région parisienne.

Beaucoup de personnes pensent que le monstre du roman de Mary Shelley se nomme Frankenstein. L’une des tragédies de l’œuvre est qu’on ne lui donne même pas la dignité d’un nom. Ici, l’histoire est racontée à travers le prisme de la créature : elle y narre sa naissance, son abandon, sa découverte du monde et cette humanité à laquelle elle se confronte, cherche sa place. Elle questionne son existence et son rapport à l’autre. La créature naît pure et sera confrontée à la dureté et la complexité de l’espèce humaine, tout particulièrement à sa violence. Le besoin de ces réponses, comme moteur de la pièce, pousse la créature à lutter contre le rejet par tous les moyens, allant jusqu’au meurtre, la faisant devenir le monstre que tout le monde voit en elle.

Attitudes féminines ? Injonctions masculines ? Principes de liberté ? Sexualité ? Travail du sexe ? Droits ? Stigmatisation ? Mépris ? Trois individus s’expriment, se répondent et se confondent quelque part dans le néant, le réel ou l’inconscient…

Le temps d’une représentation, Barboteuses questionne et donne à entendre quelques réalités qui semblent nous dépasser, mais qui ne sont pas si loin de nous finalement.

Un titre qui sonne comme un titre de chanson, de ces chansons réalistes et édifiantes, une Murder Ballad, dans le nord de l’Angleterre, qui va mener nos deux jeunes héros jusqu’en Ecosse. Au départ, une embrouille comme une autre entre un beau-père et un adolescent. Un coup de surin, et le road trip commence. Lee ramasse Leila, une gamine paumée qui ne se sent vivre que lorsque qu’elle se scarifie les poignets et les voilà partis à la recherche du véritable père de Lee, à la recherche de celui qui pourra les sortir du pétrin, à la recherche d’eux-mêmes. Ken Loach n’est pas loin, avec sa grande dose d’humanité, de cette humanité qui nous fait voir la lumière et la beauté dans la nuit.

Après Dunsinane, le CaBaret GraBuge continue à explorer l’univers de David Greig : on y retrouve l’Ecosse, ses paysages, mais une Ecosse d’aujourd’hui, dont la nature continue à forger le destin des gens qui vont s’y perdre pour mieux savoir qui ils sont.

Sur une scène couverte de bougies, une femme en robe de mariée raconte la tragédie qui s’est abattue sur elle. Le jour de son mariage, son fiancé est mort dans un accident de voiture, la laissant seule devant l’autel en proie au plus profond des désespoirs. Mais qu’en est-il réellement ?

Mes nuits sont plus belles que le monde est un seule en scène oscillant entre l’humour noir et le drame pathétique d’une femme en quête d’une certaine forme de bonheur auquel nous aspirons toutes et tous d’une manière ou d’une autre.

La fin du monde approche. Et vous êtes, chers passagers, à bord d’un vaisseau qui vous emmènera dans l’espace. Cependant, une heure avant le décollage, un problème technique survient. C’est durant ce temps incertain que nous allons retracer ensemble les raisons qui nous ont menés à cette fin du monde.

Par le rire, le fantastique et la science-fiction, Chroniques de la fin (des mondes) interroge la notion de fin en exposant la vie de personnages qui vivent une fin du monde. Que celle-ci soit quotidienne, tragique, poétique ou qu’elle touche à vos plus intimes convictions, nous vous garantissons un voyage surprenant où il y a un après.

Chroniques de la fin (des mondes) est librement adapté de la pièce Chroniques de Peter Sanchidrian de José Padilla aux Editions Les Solitaires Intempestifs.

A partir de l’idée d’avoir un bébé, la conversation qu’engage le couple que forment F et H traverse toute leur histoire et interroge autant l’état du monde que la question de l’engagement.

Ce qui sous-tend leur relation au monde, et qui se manifeste de manière éclatée et plurielle, c’est la peur. Face à une pluralité de défis – l’urgence écologique, le terrorisme, un monde libéral peu enclin à favoriser le bien commun… -, leur dialogue autour d’un avenir à construire emprunte des chemins ni balisés ni attendus, des chemins vivifiants laissant surgir humour et émotion.

La mise en scène d’Arnaud Anckaert accorde au rythme et au sens des mots toute leur amplitude, dans un espace très épuré. La crise symptomatique qui éprouve ce couple de trentenaires traduit une immense incertitude face à l’avenir.

Interprétée par Shams El Karoui et Maxime Guyon, la partition révèle l’essentiel avec finesse et sensibilité.

L’action se situe en 56 à Rome, et mêle intimement rivalité amoureuse et conflit politique : après avoir empoisonné l’Empereur Claudius, son troisième mari, qui lui-même l’avait épousé en secondes noces, Agrippine a écarté du pouvoir Britannicus, fils de Claudius et prince légitime, au profit de son propre fils, le tumultueux Néron…

Mais Britannicus et Néron, demi-frères ennemis, sont amoureux l’un et l’autre de la princesse Junie. Face au jeune Empereur en proie à ses mauvais instincts, Junie doit faire un choix déchirant : ou bien rester fidèle à Britannicus, Prince déchu, et provoquer sa mort, ou bien lui sauver la vie et sacrifier son amour en cédant aux avances de Néron. Les intérêts politiques et les trahisons, et la fureur naissante de Néron, cavalier seul, dictateur débutant et cruel, auront raison de cet amour…

Créé en 2021 en plein confinement, Britannicus revient (enfin) en 2022, à Amiens mais aussi tout mai à Paris…

En France. Un appartement vide. Des cartons. Un homme attend. Il a attendu pendant des mois. La femme rentre. Le couple se retrouve dans un nouveau nid, un futur chez eux.

A Dacca, à des milliers de kilomètres, l’usine textile du Rana Plaza s’effondre. Plus de mille cent morts. Les étiquettes de Camaïeu, Carrefour, Auchan, Mango, Benetton sont retrouvées dans les décombres.

Entre ces deux événements lointains, quel fil peut se tisser ?

Ça glisse, ça teste le (dés)équilibre, ça hache et ça s’abat. Au final, on a du mal à trancher sur ce qui nous épate le plus, l’habileté des artistes ou l’imprévisibilité des objets.

Rythmés avec de la musique en live, les mouvements dansés et acrobatiques se mêlent entre la manipulation de haches et les acrobaties au mât chinois.

Toux læ monde connaît désormais BЯOUCHKI : sun vie, sun œuvre, ses exploits sportix et sun passion pour læ Nikitou…

Mais cæ que læ grandx public ignore encore, c’est que BЯOUCHKI inventa, entre deux expositionx à San Francisco en 1966, an système de langage et d’écriture inclusive non binaire (dont cæ texte emprunte læ grammaire exact-e).

Autour de læ non-binarité et de læ multiplicité des disciplines non genré-e-s LBGTQIA2+, nous vous convions à d’absurdes victuailles de l’esprit !

Au programme : an journée étrange et joyeuse-s, des expos, des concerts, des spectacles, pour fêter læ nouvel-le saison !

Petit-e-s et grand-e-s, nous vous attendons nombreux-ses !

Inspiré des albums La pire des princesses et Le pire des chevaliers d’Anna Kempf et Sarah Ogilvie, ce spectacle met en scène des princesses et des chevaliers qui se jouent des stéréotypes et parviennent à les dépasser, avec impertinence, humour et sensibilité.

Trois comédiennes vous invitent à le découvrir, sans froufrous, sans chichis, en flonflons, en histoires et en chansons.

Adapter les aventures du prince de Motordu près de 40 ans après leur parution semble plus que jamais d’actualité. Ces œuvres fondamentales de la littérature jeunesse sont une passerelle entre les générations pour transmettre l’art du langage, le goût pour la lecture et la fantaisie des mots.

Dans La belle lisse poire du prince de Motordu, PEF aborde grâce au rire et à l’insolite un sujet très profond : la différence. Ce prince de Motordu n’est pas comme tout le monde et ce n’est pas facile pour lui.

Mêlant danse et jeu clownesque, cette nouvelle création du Collectif 4e Souffle aborde la question du partage. On y découvre deux personnages féminins aux caractères bien trempés. Entre elles, des ballons, objets de tous leurs désirs et ce mystère : comment faire pour jouer avec l’autre ?  Pour s’entendre et se comprendre quand on est si différents ? Un spectacle à voir en famille.

Depuis 2011, le 4^e Souffle propose des spectacles transdisciplinaires issus d’une écriture de plateau qui posent un regard amusé sur la société et sur l’humain.

Au printemps, le mouton se déshabille et tandis qu’il refait sa toison, il nous laisse pour l’hiver une couverture blanche comme un champ de neige et chaude comme le plus beau des étés. Et voilà qu’au cœur de cette tendre blancheur apparaissent deux pieds malicieux, une tête, une drôle de petite bonne femme…

Entre ses doigts, les pelotes deviennent des planètes, les écharpes des escargots, et la poésie de la laine se tricote, maille après maille pour éclater en un tourbillon de couleurs…

Quatre comédiennes disposent d’un auteur plus que d’un texte, d’un metteur en scène, de costumes, de lumière, mais elles semblent abandonnées chaque soir sur le plateau.

Tout est pourtant prêt pour la représentation mais rien ne fait réellement sens. Elles n’ont qu’une certitude : le devoir de paraître sur scène, de susciter les regards et de s’en nourrir ou simplement de les subir et de les affronter. D’abord, ils nous regardent… et après ?

C’est le grand jour ! Un homme étrange s’affaire sur scène aux derniers préparatifs. Dans quelques instants, il va présenter son premier spectacle mécanique et musical. Les lumières de la salle s’éteignent ; il lance sa boîte à musique aux rouages complexes et nous invite dans son imaginaire loufoque.

« Lors de nos échanges avec Charles Lee, le metteur en scène, nous avons souligné la ressemblance entre les deux gâs de La chanson d’un gâs qu’a mal tourné de Gaston Couté (création 2015 de la compagnie) et les personnages Vladimir et Estragon dans la pièce En attendant Godot. Deux clochards célestes sont inspirés des personnages de Beckett : Ils trimballent leur vie et s’emparent de poésie et la partagent au gré de leur route, pareille à la quête de Vladimir et Estragon.

L’actualité nous questionne, la période présente nous interroge.

Toutes nos recherches et la période actuelle ont soulevé des questions : Qu’est-ce que nous attendons ? Que souhaitons-nous garder ? Quelle issue recherchons-nous ? Quels rêves ? Quelle part d’utopie. »

Alexis Tripier – Responsable artistique

Mélancolique ermite, bougon mais néanmoins homme au grand cœur, Léon vit reclus dans son temple de la solitude où règne les bibelots chargés de souvenirs précieux. Mais LUI refuse de vieillir. Il ne peut pas y faire grand-chose sinon résister contre le temps qui passe.

Un beau matin, comme tous les matins, il est assis là, à sa table en formica, mangeant son morceau de pain et de camembert trempé dans le café. Il se souvient. Mais alors vient un élément qui va briser le fil de sa routine quotidienne, un tout petit élément qui va tout chambouler.

Une miette.

De ce tout petit grain de sable va naître une véritable chorégraphie effrénée qui entrainera Monsieur Léon à revivre sa vie, ses amours, ses bêtises d’enfants…

Il ne ressent ni douleur, ni fièvre, ni fatigue particulière… Bertrand, qui était tranquillement en train de confectionner des confettis, se retrouve pourtant allongé sur le sol, incapable de bouger. Voisins, amis, parents proches ou éloignés, médecin de famille, journalistes : tous se pressent et se confrontent à l’inexplicable.

Etrange phénomène en effet qui interroge les rouages du monde et les relations humaines : peut-on s’arrêter dans une société égoïste où chacun est sommé d’avancer ? Ancrant l’action dans l’effervescence des Trente Glorieuses, Maxime Ganné orchestre sans temps mort un théâtre masqué soulignant l’excentricité des personnages.

Rappelant l’univers burlesque des films de Jacques Tati, la mise en scène joue de contrastes, mêle subtilement aspects réalistes, touches grotesques et plongées dans l’absurde. Avec un humour qui fait mouche. »

Agnès Santi – Critique de théâtre

Pourquoi ici plutôt qu’ailleurs ?

Tout au long de ce road-trip rural, elle creuse des tunnels entre son passé dans le corps de ferme de sa grand-mère et les multiples ailleurs qu’elle découvre au fil des rencontres paysannes.

La Trouée ouvre sa fenêtre en grand et invite le spectateur à venir gaigner* un peu par ici.
*gaigner : observer en patois

Cécile Morelle explore dans ce seule-en-scène polyphonique l’idée d’un « corps-paysage » : est-ce que les paysages traversés étant enfant sont inscrits physiquement dans notre corps ? Est-ce que les figures locales épiées pendant l’enfance logent encore en nous ?

Être heureux, n’est-ce pas ce que tout le monde recherche ? Développement personnel, recherche du selfie parfait, influenceurs modèles… Le bonheur est à notre époque une question intime qui touche tous les aspects de la vie mais aussi une affaire de représentation sociale. Cependant, une vie réussie est-elle nécessairement une vie heureuse ? Pourquoi devrions-nous cacher nos émotions dites « négatives » ?

Dans ce théâtre de marionnettes aux esthétiques décalées, des personnages aux petits penchants criant de vérité nous questionnent sur notre quête du bonheur.

Ce spectacle veut permettre à chacun d’interroger sa recherche du bonheur et de faire son propre chemin dans ce labyrinthe où il est si facile de se perdre. Une poésie visuelle, tendre et poignante qui en dit beaucoup plus que les mots.

Ce soir, Dona Sol est l’invitée d’Emilie Adlar sur le plateau de l’émission « Chuchote-moi à l’oreille ». Elle vient témoigner de la radicalité de son choix amoureux.

A la manière d’une chronique radiophonique jouée en live, Audrey Bonnefoy, metteuse en scène et Mona El Yafi, dramaturge, ont revisité ce chef d’œuvre de manière singulière, en adoptant le point de vue du personnage féminin.

Mêlant les alexandrins de Victor Hugo à une écriture contemporaine, elles donnent ainsi à voir et à entendre ce grand classique sous un jour nouveau.

Une belle-mère, un chalet à la montagne et un bâton de ski. Pas vraiment les vacances !

Caroline et son fiancé sont en vacances de neige avec leurs amis quand ils voient avec stupeur, débouler la belle-mère ! Cette dernière va enchaîner les gaffes et leur attirer les pires ennuis. Que dire du patron, rencontré par hasard sur les pistes, venu avec sa maîtresse et dont la femme va débarquer ? Que faire, en outre, du corps du guide de montagne que la belle-mère a vigoureusement assommé par erreur ?

Des situations désopilantes, du rythme, des répliques savoureuses, des personnages typés… bref, du rire garanti.

Emportés par un tourbillon de situations kafkaïennes afin de réussir à être en règle sur le territoire français, une multitude de personnages nous font vivre des parcours interminables où l’humour surgit parfois au milieu de ces méandres ubuesques.

Mêlant à la fois théâtre, musique, danse, vidéo et films d’animation, le spectacle révèle comment français et exilés combattent ensemble au quotidien. Les mots se distillent au fil d’un crescendo inexorable utilisant aussi le rap, mêlant parfois plusieurs langues (français, anglais, portugais, arabe). La parole se déverse et se réinvente perpétuellement : du silence au bruit, du bruit au cri, du cri à l’explosion.

Dans sa lecture, Soukaina Habiballah, parfaitement bilingue, entrelace les versions arabe et française du cycle de poèmes : comme si les deux voix alternaient dans son propre corps, sa propre psyché de poétesse. Comme si les deux femmes des poèmes vivaient en elle grâce à l’exceptionnelle douceur et la saisissante présence de sa voix.

L’artiste sonore Zouheir Atbane crée pour cette lecture un environnement sonore à partir d’enregistrements de berceuses marocaines immémoriales que Soukaina Habiballah a enregistré auprès de très vieilles femmes marocaines (en plusieurs langues parlées au Maroc : amazigh, darija, sahraoui…).

Cette création entre danse et performance interroge avec vigueur les formes de colonialisme moderne. Le célèbre morceau de Ravel devient un prétexte pour parler d’intégration.

Nés à Cuba au mitan des années 90 et vivant aujourd’hui à Marseille et Berlin, les trois interprètes livrent une réflexion sans concession sur l’exil et l’identité et l’intégration sociale. Ils s’emparent du Boléro de Ravel, emblématique de la culture occidentale, pour lui donner une coloration plus métissée. Au fil de leur cheminement, les corps de ces artistes se heurtent au Boléro, mettant en crise des formes de colonialisme culturel.

Une performance qui bouscule et interroge : que signifie faire partie d’un peuple aujourd’hui ?

Cette autrice me fascine. Une plume vive, sèche, cassante, concrète. Au moyen de ses personnages, elle provoque une troublante identification de notre être et offre le pouvoir à chacun de se reconnaître, de se recentrer sur son intimité. Il s’agit d’explorer, de se disséquer, de tirer de cette introspection une conclusion sur nous-mêmes et nos temps troublés. L’Amour de Phèdre cherche des réponses. Elle interroge nos divisions, soulève nos inégalités et pointe du doigt notre rupture sociale. Elle relève le miroir de notre quotidien dans une société noyée par une évolution qui cause sa chute.

Puis, il y a ce contraste entre la modernité du texte et ses inspirations mythologiques ; un parallèle intéressant à traiter sur un plateau de théâtre dans l’atmosphère et les énergies qui s’en dégagent où se mêlent humour, moquerie et tension. Au centre, comme un embryon : un besoin de trouver des solutions aux manques, à la tristesse, à la mélancolie, à la décomposition de l’âme en donnant la réponse que l’amour et l’extase peuvent sauver. »

Victor Robert – Metteur en scène